Narración visual y publicación independiente: Una entrevista con Yumi Goto

Se analiza cómo llegar a una audiencia a través de libros de arte y el valor de una visión amplia del género fotográfico

Yumi Goto es curadora de arte e investigadora independiente que, desde 1997, ha trabajado en fotografía, al principio colaborando con fotógrafos a través de Internet para distribuir la publicación electrónica pdfx12. En 2012 cofundó Reminders Photography Stronghold, un espacio fotográfico en el centro de Tokio enfocado en un amplio espectro de la actividad fotográfica, desde la realización de exposiciones hasta la concesión de subvenciones, la promoción de la creación de libros independientes y la provisión de espacio creativo a los artistas.

Al principio de tu carrera trabajaste con publicaciones en PDF, que compartías en esos días formativos de Internet. ¿Cómo pasaste de ese modo de curación en línea a administrar un espacio físico para la fotografía?

Comencé mi carrera fotográfica en 1997, ayudando a mi esposo, que es fotógrafo. Todavía estábamos trabajando en una era analógica en ese entonces. Pero más tarde, a medida que Internet comenzaba a ser más accesible, se hacía posible que las personas crearan historias en línea. Extendí el rol que tenía con mi esposo para trabajar con otros: y en 2007 comencé a curar portafolios en asociación con fotógrafos en línea en formato PDF.

Esos fueron los primeros días: trabajé con Mikhael Subotzky, antes de que se uniera a Magnum, por ejemplo. Una vez fue colaborador de la serie mensual de portafolios en línea, pdf x12. Trabajaba de forma móvil, no solo en Japón, sino moviéndome y haciendo uso de Internet.

Sin embargo, estaba empezando a cansarme un poco de trabajar en el ciberespacio. En 2011, cuando estaba en Bangkok, ocurrió el Gran terremoto y tsunami del Este de Japón. En ese momento mi madre y la madre de mi esposo también estaban muy enfermas, así que decidimos regresar a casa, pero no solo regresábamos por la familia, también queríamos crear un espacio físico para nuestro trabajo. En 2012, nosotros, junto con amigos fotógrafos que ayudaron mucho, establecimos el espacio de Recordatorios. Celebramos nuestra primera exposición en noviembre de 2012.

La idea era hacer un espacio que fuera realmente para fotógrafos. El espacio de la galería está ubicado en el centro, y algunas personas sintieron que era un poco inconveniente. Para mí, la ubicación no importaba demasiado. Lo importante era el tamaño del espacio y que realmente queríamos vivir en él, con la galería abajo y la casa arriba. Como estábamos ofreciendo algo diferente y único, vino gente, sin importar la distancia.

¿El espacio siempre tuvo la intención de albergar y apoyar una variedad de actividades, además de actuar como una galería?

Sí. Ofrecemos el espacio para que los fotógrafos muestren su trabajo de forma gratuita. Junto al espacio de la galería tenemos, por ejemplo, la Subvención Recordatorios. Curiosamente, la primera beneficiaria fue Diana Markosian, en 2013. Desde entonces, hemos tenido otros 19 beneficiarios. También tenemos una biblioteca de fotolibros que está abierta al público.

Realmente queríamos tener ese espacio físico para exhibir el trabajo dentro. Sin embargo, no queríamos mostrar fotografías y exhibir trabajos solo por razones puramente estéticas, queríamos trabajar con fotógrafos que fueran narradores de historias creando trabajos documentales. Todavía pensaba, como curadora, que tener algunas fotos en una pared es agradable, pero también estaba un poco frustrada. Quería hacer algo más…

Entonces, ¿estabas pensando en cómo llevar la fotografía documental más allá de los límites de las exhibiciones o exhibiciones tradicionales?

Sí. Participé en un festival de fotografía holandés, Noorderlicht. Mientras estuve allí, pasé por un taller de elaboración de libros en La Haya y conocí al artista belga y narrador visual Jan Rosseel. Me dijo que había terminado su proyecto de graduación e hizo un libro con él, cuando me contó la historia de este libro me quedé asombrado.

Había hecho 28 copias del libro Otoño belga.Esenúmeroespecífico, 28 – fuetomadodeltema en sí: ellibrotratabasobre Bélgica en la década de 1980, específicamentesobreuna pandilla (que llegó a ser conocida como ‘La Pandilla de Nivelles’) que cometió una serie de robos cada vez más violentos en el área de Bruselas.Finalmente, 28 personas murieronen estos robos.Unade esas víctimasfueel propio padredel artista. Elcasonuncaha sido resuelto. Rosseelme trajolaúltima copiarestantede los primeros 28 libros.Desde entonces, ha sido relanzado en mayor número y en un formato diferente por la editorial belga Hannibal Publishing, que incluyó nuevos materiales agregados despuésde una investigación adicional.

Realmente era el tipo de formato con el que estaba considerando involucrarme. No era solo fotografía: el trabajo incluía investigación, documentos y había recreado imágenes y escenas de relatos de testigos presenciales.

¿Crees que ese tipo de libro de fotos permite una mayor flexibilidad para contar historias complejas?

Realmente puedes intelectualizar el tema. Rosseel llevó a cabo una investigación en profundidad. El número de ediciones del libro fue igual al número de víctimas de la pandilla. Los libros estaban encuadernados con bandas elásticas estampadas con números. Para mí, ese tipo de detalles tienen un significado muy especial… Él ya estaba planeando viajar a Japón para unas vacaciones familiares, así que nos conocimos mientras él estaba allí en 2014 y lo invité a hacer un taller conmigo. Así empezamos los talleres de fotolibros.

Incluso con instalaciones (tenemos espectáculos todos los meses) se puede intentar crear una especie de espacio donde se pueda sentir la historia, no solo mirando imágenes bonitas. Con materiales más variados, puede obtener una mayor comprensión de un tema y relacionarse más con él.

¿Es ese material no fotográfico más importante que las propias fotos?

Dichos materiales respaldan las fotos. Esto puede ser un desafío para algunos fotógrafos, porque algunos solo quieren mostrar sus fotografías. Pero esta es una decisión para ellos. A veces los fotógrafos piensan que necesitan algo más que fotografías. Para mí…la historia es más importante que la foto a veces.

Estoy interesado en trabajar más dentro de la situación en Japón, en este momento. Hay tantos problemas sociales, y creo que es importante que los documentemos. Esto es algo en lo que me estoy enfocando para trabajar con más fotógrafos japoneses.

¿Cuáles son los objetivos de sus talleres?

La gente dice que estamos haciendo algo muy nuevo. No estamos tratando de seguir un camino tradicional, no solo estamos tratando de encontrar la mejor manera de contar estas historias, sino también de apoyar a los fotógrafos.

Para el taller de creación de fotolibros, animamos a los participantes a hacer uno de muestra y participar en concursos, así como a presentarlos en los puntos de venta. También los alentamos a hacer libros de artista de la manera en que lo hizo Rosseel, para que hagan toda la producción por sí mismos, desde la impresión hasta la encuadernación. Luego ayudamos a distribuir los libros. Deben saber que su trabajo merece ser apreciado y que hay una audiencia que está feliz de pagar por él. Entonces, aunque los participantes pagan por el taller, creo que recuperan más de lo que pagaron.

¿Cuál es tu parte favorita de editar libros nuevos con fotógrafos? ¿Y cuáles son las sorpresas?

Muchas personas quieren participar en los talleres porque creen que, si participan, de repente pueden hacer un buen libro; piensan que debe haber algún milagro o magia en el taller, pero en realidad no lo hay. Los participantes siempre deben trabajar muy, muy duro; si lo hacen, es por eso que pueden hacer libros muy significativos.

Estamos en la posición en la que solo podemos guiarlos y alentarlos a seguir adelante. De hecho, tienen que asumir ese desafío. Hay algunos casos en los que [los participantes] simplemente desaparecen, luego están aquellos que llegan mucho más lejos de lo que esperaba.

¿Y cuáles son las consideraciones o ventajas a la hora de publicar libros independientes con fotógrafos?

Los alentamos a hacer libros de artista en cantidades limitadas. Después de la ejecución inicial, podemos comunicarnos con un editor. Para nosotros, la clave, el verdadero enfoque, es que el libro sea exactamente lo que el artista quiere que sea. Que no se comprometa, es realmente importante tener la voz del artista en esta conversación en esa etapa temprana.

En el primer taller que hicimos, un participante llamado Kazuma Obara hizo un libro sobre la guerra en el Pacífico. En 1945, no solo Nagasaki e Hiroshima fueron bombardeadas, sino que Estados Unidos llevó a cabo bombardeos extensos en todo Japón. Obara hizo una historia sobre la gente de Osaka que había sobrevivido al bombardeo de su ciudad. La historia de esas personas y los acontecimientos históricos.

Hizo 45 copias del libro, a mano. Se llamaba Historias Silenciosas. El libro fue preseleccionado para los Premios de Fotolibros de la Fundación Paris Photo-Aperture, en 2014. Luego trabajó con la editorial Editorial RM, que acordó hacer 1900 copias. Lo que me gusta es la naturaleza orgánica de tales colaboraciones: el artista trabaja para producir el maniquí ideal, luego el editor trabaja para producir el libro y distribuirlo. Simplemente nuestro objetivo es trabajar con alguien para obtener los mejores resultados y para que ambas partes se beneficien.

¿Cuáles son las ventajas respectivas de la autoedición frente a trabajar con un editor cuando se trata de llegar a una audiencia?

Incluso con la autoedición puedes llegar a la corriente principal, ¿verdad? Kazuma solo hizo 45 copias al principio. Pero entonces sabes que la gente realmente comienza a hablar sobre los libros y que a esas personas realmente les importa el tema. 45 copias es un número muy pequeño, pero fuera de esas 45 personas con el libro, muchas otras están hablando de él. Esto es muy importante. No es necesario publicar 2000 copias de un libro para que 2000 personas hablen sobre un tema, aunque, por supuesto, si un editor quiere hacer 2000, ¡eso es genial!

¿Es importante para los fotógrafos el proceso de distribución íntima?

El proceso de distribución es interesante. Antes de hacer un libro, los fotógrafos a menudo casi no tienen confianza. OK, harán un libro, pero piensen: “¿Quién comprará esto?”

Luego reciben un primer pedido, un segundo, un tercero… Ellos reciben pedidos de personas en las que ni siquiera pensaban y ganan confianza. A menudo tengo que decir cosas como: “¡Por favor, no vendas tus libros a tus amigos!” Realmente odio eso, cuando un artista carece de confianza dice: “Cuando hago un libro, mis amigos lo compran” … Realmente deberías mirar fuera de tu grupo de amigos. No estás haciendo tu libro para tus amigos.

Debes saber que tienes una audiencia, una nueva audiencia en la que nunca has pensado. Particularmente para libros que transmiten historias importantes.