Nikos Economopoulos nació en el Peloponeso, Grecia. Después de estudiar derecho, se convirtió en periodista. En 1988 comenzó a fotografiar en Grecia y Turquía y finalmente abandonó el periodismo para dedicarse a la fotografía. Se unió a Magnum en 1990 y comenzó a viajar y fotografiar extensamente por los Balcanes.
En la década de 1990, su atención se centró en las fronteras y los cruces, fotografiando a los habitantes de la ‘Línea Verde’ en Chipre y la migración masiva de personas de etnia albanesa que huían de Kosovo. Durante este período también comenzó a fotografiar a los romaníes y otras minorías. Una retrospectiva de su obra titulada Economopoulos, Fotógrafo se publicó en 2002 y luego se exhibió en el Museo Benaki de Atenas.
Recientemente ha recurrido al uso del color. Actualmente, pasa la mayor parte de su tiempo fuera de Grecia, viajando, enseñando y fotografiando por todo el mundo, en el contexto de su proyecto a largo plazo On The Road.
Economopoulos habla sobre sus inspiraciones y cómo su enfoque irracional proporciona acceso a un paisaje emocional, mágico y surrealista más allá de las limitaciones de una realidad percibida.
©Nikos Economopoulos-Magnum
Comenzaste tu vida profesional como periodista y luego pasaste a la fotografía. ¿Cómo se produjo este cambio? ¿Por qué te dedicaste a la fotografía?
Siempre supe que gravitaría hacia la fotografía. Pero para mí era importante mantener la mirada amateur y mantener mi libertad. No quería que mi subsistencia dependiera de ello porque esto alteraría mi libertad para explorar.
¿Qué fotógrafos o artistas han inspirado tu trabajo?
Cartier-Bresson fue mi primer punto de referencia, mi ventana al mundo. Y luego Sergio Larraín y Joseph Kudelka, esas fueron mis influencias fotográficas. También hubo una amplia gama de otros artistas, incluido el escritor montenegrino Branimir Scepanovic y el compositor griego Dionysis Savvopoulos, así como Emir Kusturica. En general, la literatura y el cine balcánicos han moldeado profundamente mi cosmovisión.
Su enfoque documental sobre la vida en la región balcánica de Europa del Este y Asia occidental lo ha llevado a producir una serie de trabajos sobre esta área. ¿Qué es lo que te fascina de esta región en particular?
Lo que me atrajo y encendió mi imaginación fue la paradoja de los Balcanes. No podía entender cómo estas sociedades tan cercanas entre sí geográfica y simbólicamente; en sus culturas, idiomas y sus luchas comunes, sus formas de vida y de ver el mundo, podían generar y fomentar tanta violencia. ¿Cómo podrían coexistir similitud y tensión? ¿Y cómo podrían fomentar emociones tan intensas entre ellos? La sangre y la miel (bal-kan) que su nombre indica. Había una cierta familiaridad para mí, en términos de huellas que alguna vez pudieron reconocer en eventos, gestos o actitudes de las personas.
Recuerdo a tres albaneses en Pristina, que bebieron juntos una noche, todos insistiendo en pagar al final, hasta que uno de ellos sacó un cuchillo y amenazó a los demás para prevalecer. Esto no es fácil de entender, y mucho menos de explicar, pero a mis ojos de alguna manera me parecía familiar. Loco y brutal, pero también tierno y fascinante.
¿Cómo abordas tus diversos proyectos? ¿Cómo haces para contar las historias de las personas y culturas que fotografías?
La fotografía para mí no es premeditada. Es puro instinto. No me gusta prepararme para ello, sino reaccionar a lo que veo y experimento. No me gusta ir a algún lado con una suposición preconstruida, sino ir con solo unas pocas herramientas básicas y piezas de información básica que parche para poder experimentar las cosas de la manera más libre y abierta posible. De esta manera, cada nuevo lugar es un país de las maravillas.
A menudo pienso que debería ser más organizado y preparar y tomar notas, pero al final nunca funciona. No puedo abordarlo como un proceso racional. Mantener el acceso al mundo como un paisaje mágico es vital para mí. Temo que de lo contrario perdería la emoción, eso que me mueve muy adentro, lo indecible.
Lo que represento en una imagen es lo que no se puede articular con palabras. No es necesariamente lo que toca un acorde familiar, ni lo que parece novedad o incluso otredad exótica. En última instancia, esto debe tener que ver con conexiones internas, una similitud de emociones
Hago mis mejores fotos en aquellos lugares donde abunda la interacción humana, donde se cruzan las barreras, se negocian los umbrales, donde la vida se desborda. La experiencia visual es el resultado, no la localidad, de donde proviene la foto. Esto no es nada si no es la experiencia humana. Esa es la intención. De ahí es de donde vienen las imágenes. Es lo que da vida a las imágenes.
A menudo hay un elemento surrealista en sus fotografías, incluidas partes del cuerpo cortadas y sujetos incompletos. ¿Cómo haces para crear estas composiciones? ¿Y qué efecto intentas crear en el ojo del espectador?
Nuevamente, para mí este es un proceso instintivo. No estoy pensando en reglas de composición ni estoy tratando de crear un efecto o imponer un cierto simbolismo. No siento que ese sea un idioma que me interese. No hay idea en mi mente, que luego estoy tratando de convertir en una imagen. Lo contrario, de hecho.
El surrealismo que mencionas en mis imágenes es una vena de subversión. Piense, por ejemplo, en niños jugando con una pelota. Lo que buscaría son los movimientos alrededor de una pelota, pero no la pelota en sí. Si la pelota está en el marco, la respuesta está ahí, no estimula tu curiosidad. Pero si no está ahí, lo que queda es la dinámica de los gestos y el fluir de los cuerpos alrededor de una pelota, la alegría del juego sin el objeto a la vista. O exactamente lo contrario y te preguntas. Eso es lo que busco, el elemento de asombro.
Creo que lo que busco no es la verdad, en el sentido de la verdad única e indiscutible. En última instancia, es la mentira, la suspensión de la incredulidad. Es como hacer una pregunta y continuar sin una respuesta, sin descubrir la verdad subyacente, pero descubriendo capas y capas de otras preguntas que lo llevan por caminos divergentes. Como en la vida real. Ese es el surrealismo de la realidad. Lo que intentamos encajar en cajas racionales, pero nunca encaja. Se trata de emociones y no de explicaciones.
Ni siquiera siento que estoy contando una historia. Como fotógrafo, no respondes a la pregunta que plantea el encuadre. Creas otra pregunta. El espectador tiene que preguntarse. Y tú estás ahí, participando o incluso creando esa maravilla.
¿Cómo describirías el estilo resultante de equilibrio y tensión dentro de tus marcos?
Solo puedo describirlo con la imagen en sí, pero no con palabras.
Habiendo disparado con blanco y negro durante años, ¿cuándo empezaste a disparar en color? ¿Y cuáles ves como las mayores diferencias entre los dos formatos?
El blanco y negro durante muchos años fue una calle de sentido único. Es más simple, deductivo y permite la abstracción porque elimina una parte significativa de la realidad: el color. Trasciende la realidad, haciendo así que el resultado sea más surrealista. Esta capacidad de ir más allá de la realidad fue cautivadora para mí.
Siempre usé blanco y negro con película analógica y solo usé color después de cambiar a digital. El costo también era una preocupación, no se podía imprimir en color a un costo tan bajo como se podía hacer con el blanco y negro.
El color es más realista. Conseguir los mismos contrastes y tensiones, la misma sensación de surrealismo, el mismo resultado cargado es mucho más complicado. Es más difícil, más desafiante, porque representa la realidad con mayor precisión. Por lo tanto, la validez visual requiere un mayor esfuerzo. No es suficiente tener el equilibrio adecuado de forma y contenido que sea suficiente en blanco y negro. A medida que describes la realidad con mayor detalle y precisión, corres el riesgo de terminar con algo convencional. Por lo tanto, también debe implementar otras herramientas. Como la luz, la calidad de la luz y el equilibrio entre los diferentes colores. En blanco y negro, puedes hacer cosas con luces difusas, mientras que en color la relación entre luces altas y bajas es mucho más interesante.
¿Cuándo empezaste a grabar con cámaras Leica? ¿Y qué aprecia de las cámaras Leica en particular?
Comencé a usar una Leica M3 con una lente de 50 mm, claramente influenciada por lo que usaba Cartier-Bresson, y he tenido una Leica desde entonces. Durante la última década, de hecho, no uso nada más. Ahora he estado usando una Leica durante tanto tiempo que no puedo imaginar mi vida fotográfica sin ella. No me gusta mucho cambiar mis herramientas. A menudo me siento aterrorizado por las grandes cámaras elegantes. Encuentro la simplicidad de Leica muy creativa. Tiene el equilibrio perfecto que necesita una herramienta creativa.
También enseñas fotografía y ofreces talleres como parte de tu proyecto En El Camino. ¿Podrías contarnos un poco más sobre esto?
Esto comenzó hace doce años como una forma de compartir la alegría y la libertad del viaje con personas de ideas afines. La enseñanza ocurre en ese contexto. Durante el día nos separamos y seguimos nuestro propio camino, cada uno fotografiando solo y explorando. Por la noche nos reunimos y editamos el trabajo del día. En el transcurso de estas sesiones de edición, se desarrolla todo un mundo. Los talleres están estructurados como sesiones de edición. Al mismo tiempo, se produce un intercambio que es difícil de describir. Para mí hay algo mágico en acompañar a los demás durante el proceso de encontrar su mirada, su voz. Es una transformación. Nutre mi alma. Por lo general, regresan, nos encontramos una y otra vez en el transcurso del viaje y hay un vínculo allí que atesoro.
Prefiero viajar de esta manera y explorar libremente sin las limitaciones e imposiciones de una asignación. Los destinos cambian cada año, aunque siempre hay algunos a los que suelo volver, Estambul o La Habana, por ejemplo, donde me siento un poco como en casa. Lo que determina eso es el nivel de interacción humana, la forma en que se viven las vidas en las calles, más allá de las fronteras domésticas o las geografías estructuradas. Me cautiva el cruce de umbrales, la suspensión de la incredulidad, el intercambio de emociones en espacios compartidos, las diminutas maravillas de la vida en la calle.
¿Qué consejo le ofrecerías a cualquiera que busque mejorar su fotografía?
Intenta ser libre y cultivar la libertad, y confía en tu instinto, cuídalo, ve hacia lo que te da alegría. Esto contiene la clave de las respuestas e incluso de más preguntas.
Esta es una traducción de la entrevista NIKOS ECONOMOPOULOS. The Magnum master discusses the magical landscape of street photography del sitio web The Leica Camera blog hecha por Luis Cáceres. La versión original puede ser leída aquí: https://leica-camera.blog/2019/01/28/nikos-economopoulos/
