Las representaciones de los sueños y las pesadillas de Yael Martínez, nominado a Magnum en el 2020, dan voz a las experiencias de pérdida en medio del desgaste de la sociedad mexicana contemporánea.
Yael Martínez, ex becario de la Fundación Magnum y ganador del Premio World Press Photo por proyectos a largo plazo, así como nominaciones para el Prix Pictet y los Premios ICP Infinity, ha estado explorando desde 2013 el impacto tangible y espiritual de la violencia en las familias en México, incluida la suya propia. La pérdida de tres miembros de su familia por parte del crimen organizado del fotógrafo lo puso en el camino de explorar los efectos nocivos del narcotráfico en su estado natal de Guerrero y en México en general. Aquí Martínez analiza la representación de paisajes oníricos en las fotografías, los beneficios de un enfoque multimedia para un proyecto a largo plazo y la transformación de la destrucción causada por el duelo.
MÉXICO. Taxco, Guerrero. 2013. Corazón de familia. Fotos en la pared del dormitorio de Perla Granda (mi cuñada) de sus hermanos desaparecidos. Ella tiene 14 años y actualmente está en la escuela secundaria. Vive con su madre y su hermana.
¿Podría contarnos sobre su camino hacia la fotografía, y en qué momento un interés se convirtió en una profesión, y cómo esa profesión se convirtió en lo que ahora parece ser más una misión con su trabajo?
Descubrí que quería ser fotógrafo cuando vi el trabajo de Josef Koudelka y W. Eugene Smith. En ese momento yo era solo un niño y nunca había sostenido una cámara. Hice mis primeras fotografías cuando tenía 17 años, con una cámara de plástico que pertenecía a mi hermana, que era la única cámara que teníamos en nuestra familia. Con esas fotos traté de hacer una historia y solicité estudiar Artes Visuales en una universidad en México, pero me rechazaron porque no tenía los conocimientos ni las habilidades para convertirme en artista.
Me di cuenta de que no nacemos con estas habilidades, pero podemos aprenderlas. El arte se puede enseñar.
Después de tomar clases de fotografía comercial en una escuela técnica en México, comencé a trabajar como asistente de un fotógrafo de arquitectura, y lo hice durante dos años. En el 2006 comencé a trabajar solo, tratando de ganarme la vida. Con el dinero que gané pude comprar mi primer equipo digital: una cámara, un lente y una computadora.
Después de un año en los Estados Unidos regresé a México y comencé a trabajar en varios proyectos personales; estos proyectos me ayudaron a ingresar a diferentes programas de fotografía que ayudaron a dar forma y desarrollar mi trabajo como fotógrafo. Dos de estos programas se llevaron a cabo en el Centro de la Imagen en la Ciudad de México y en la fototeca nacional de Pachuca. Pero los que realmente me definieron como fotógrafo fueron el Centro Manuel Álvarez Bravo y el Centro de las Artes de San Agustín. Ambos creados por Francisco Toledo en Oaxaca, México. Considerado uno de los artistas más importantes del país, también es conocido por su labor como activista social. Él es responsable de abrir oportunidades a los mexicanos para estudiar artes, independientemente de su estatus social.
Gracias a estos espacios en Oaxaca he tenido la oportunidad y el privilegio de ser asesorado por grandes nombres de la fotografía como Mary Ellen Mark, Antoine d’Agata, Charles Harbutt, Maya Goded, Joan Liftin, Gerardo Montiel Klint, Eniac Martínez, Pablo Ortiz Monasterio y, en 2019, tuve la suerte de ser seleccionado como uno de los nueve becarios de todo el mundo para formar parte de la Beca de Fotografía y Justicia Social de la Fundación Magnum con Fred Ritchin y Susan Meiselas como mentores.
“Mi trabajo se enfoca en comunidades fracturadas por el crimen organizado, en un sentido físico y psicológico. Estoy tratando de crear una obra que represente la conexión entre ausencia y presencia”.
Tu proyecto más conocido, por el que has ganado numerosos premios internacionales, es La Casa Que Sangra. ¿Podrías explicar los orígenes del proyecto y su historia hasta la fecha?
En 2013 perdí a tres miembros de mi familia, ellos de 18, 19 y 23 años. Después de que eso sucedió, comencé a fotografiar a mi propia familia y a otras personas a las que también los habían matado o desaparecido seres queridos.
Estoy explorando un camino que me ayudará a generar una memoria histórica de nuestra vida: un testimonio a través del cual pueda discutir todas estas capas de la realidad que dan forma a mi país. Mi trabajo se enfoca en comunidades fracturadas por el crimen organizado, en un sentido físico y psicológico. Estoy tratando de crear una obra que represente la conexión entre ausencia y presencia, y este estado de invisibilidad de manera simbólica, trabajando con los conceptos de dolor, vacío, ausencia y olvido. Me interesa explorar la construcción simbólica del territorio donde la violencia lo penetra todo y esta violencia atraviesa el espacio físico y espiritual de quienes lo habitan. El territorio como analogía a un cuerpo o espacio que podría ser una casa, una persona, una familia, una comunidad o un país.
Pretendo crear una obra que refleje la época en la que vivimos y responda no solo a la identidad mexicana, sino también a la identidad latinoamericana. Creo que cuando la fotografía se involucra con la educación, la cultura y la política, podemos crear un mundo mejor con diferentes voces y perspectivas en la vida.
«Comencé a trabajar con el concepto de resiliencia y cómo nosotros, como seres humanos, podemos transformar una energía negra en una energía positiva. Una luz en la oscuridad. Ahí fue cuando surgió Firefly».
Firefly, otro proyecto – te ve ilustrando tus fotografías con pinchazos, permitiendo que delicados hilos de luz emerjan de las imágenes. ¿Es esa parte de la Casa La que Sangra, o distinta de ella? ¿Cuánto entrelazan tus proyectos en tu mente?
Después de seis años de trabajar con las familias de personas desaparecidas, intentaba explorar una perspectiva diferente sobre el concepto de resiliencia en estas familias e individuos que han estado luchando contra la violencia en sus comunidades durante varios años; y el año pasado recibí una invitación de un curador, su nombre es Claudi Carreras, para participar en una exposición sobre el concepto de noche en América Latina. Le propuse la idea que tenía en mente y comencé a trabajar con el concepto de resiliencia y cómo nosotros, como seres humanos, podemos transformar una energía negra en una energía positiva. Una luz en la oscuridad. Fue entonces cuando surgió Firefly.
Lo describiría como el siguiente capítulo de La Casa Que Sangra.
“Elegí diferentes enfoques para desarrollar una imagen para el público lo más cercana posible a mi experiencia”.
Usaste la idea el otro día, cuando hablabas con el personal de Magnum, de que diferentes tipos de fotografía se unieran ‘como un coro’ – ¿qué tan importante era para ti que tu exploración de tu propia pérdida y la situación de México no fuera un proyecto de reportaje fotográfico ‘sencillo’ – que incluyera autorretrato e ilustración?
La fotografía ha sido para mí una experiencia de vida; y siempre trato de desarrollar una imagen que pueda estar cerca de esa experiencia; así es como elegí diferentes enfoques para desarrollar una imagen para el público lo más cercana posible a mi experiencia.
Las restricciones sobre lo que se puede fotografiar también pueden ayudarte a redefinir una idea. Lo importante es preservar el núcleo de la idea y seguir nuestra percepción de la realidad. No hay una realidad única, sino que existen muchas diferentes al mismo tiempo.
¿Qué específicamente, puede un enfoque no literal ayudarlo a capturar lo que uno más descriptivo no puede?
Creo que como fotógrafos podemos trabajar con ambos enfoques, pero lo más importante es crear una experiencia específica al contar la historia; esta es la clave para involucrar a la audiencia.
“Para mí fue realmente importante transferir esas imágenes de las pesadillas a las fotos”.
Hay un aspecto surrealista, onírico o surrealista en algunas de las imágenes de La Casa Que Sangra, ¿es eso intencional?
Sí, en el momento en que hice el trabajo, mi familia y yo teníamos pesadillas y, nuevamente, para mí era realmente importante transferir esas imágenes de las pesadillas a las fotos.
Quería crear la sensación de que la realidad y los sueños son uno.
Las desapariciones de sus cuñados ocurrieron en las mismas cercanías del ahora famoso secuestro y desaparición de estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa. ¿Cómo impactó ese evento posterior en sus propios pensamientos sobre documentar la pérdida de su familia, si es que lo hizo? ¿Pasó de ser un proyecto personal a un proyecto sobre todo México, o fue para ti tan grande desde el principio?
Al principio estaba tratando de encontrar un camino para entender esta tragedia en mi propia familia, pero después de comenzar a trabajar con las otras familias, el proyecto pasó de ser personal a abordar problemas sociales en todo México.
El proceso del proyecto fue lento. He puesto toda mi vida personal en ello y me tomo el tiempo para comprender la situación por la que estás pasando.
¿Cómo ha respondido el resto de su familia a su trabajo en esto? ¿Hubo temores sobre su seguridad, objeciones a que publicitara esta pérdida?
Al principio todos teníamos temores por nuestra seguridad, pero después de un año decidimos seguir trabajando con el proyecto porque para nosotros era importante hablar de estos temas en nuestra comunidad y en el país en general. Siempre trato de ser honesto y claro con todos los que trabajo en el proyecto porque veo a mi familia y a las familias que me están abriendo las puertas de sus vidas como mis principales colaboradores.
Los miedos no desaparecen, pero la mayor urgencia es la necesidad de enfrentar estos problemas para dar cierre al duelo, para transformar la energía.
“Ahora, más que nunca, necesitamos crear una narrativa extensa de nuestra historia para reconstruir nuestro pasado, presente y futuro”.
Hablando de La Casa que Sangra, usted ha dicho que el proyecto explora solo un aspecto de la vida en México hoy en día que se está deshilachando en el tejido de la sociedad. ¿Cuáles son las otras presiones que ves en la sociedad mexicana y cómo se puede utilizar la fotografía, y el arte en general, para contrarrestar estas presiones negativas?
Estamos viviendo un momento complejo en México y en diferentes latitudes del globo; hay tanta pobreza e injusticia social, y la hay desde hace tantos años, que todavía estamos lidiando con todas las malas decisiones de las personas que nos precedieron. Pero he aprendido a lo largo de estos años que el arte y la fotografía pueden ser un vehículo de transformación social.
México es un país que es fotografiado mucho, pero a menudo por extraños, ¿qué tan importante es que las luchas de un país se documenten también desde adentro? Y, por extensión, ¿cómo te sientes con la mayoría de las imágenes de México que se ven en todo el mundo? ¿Es parte de su motivación agregar o cambiar esa conversación visual?
En la representación del mundo y de la realidad, hemos descubierto que solo podemos agregar una pieza al rompecabezas. Para entender nuestro mundo necesitamos agregar más perspectivas y más formas de ver nuestra realidad. Agregar diversidad y percepciones diferentes nos ayudará a crear una mejor comprensión de nuestra realidad y de los tiempos que estamos viviendo. Es necesario crear un diálogo entre más de uno o dos puntos de vista. Ahora, más que nunca, necesitamos crear una narrativa extensa de nuestra historia para reconstruir nuestro pasado, presente y futuro.
Esta es una traducción del artículo The Symbolic Construction of a Territory Where Violence Penetrates All de la sección THEORY & PRACTICE del sitio web de la agencia Magnum hecha por Luis Cáceres. La versión original puede ser leída aquí: https://www.magnumphotos.com/theory-and-practice/symbolic-construction-territory-violence-penetrates-all-yael-martinez/
